TIDLIGERE UDSTILLINGER - 2022

Slow Feeder II

Sisse Lee (DK/NO)

10. november – 17. december 2022

Åbningtale af kunsthistoriker Emil Linnet

Hvad sker der, når radikale æstetiske landvindinger pludselig dukker op i hundens madskål? Hvordan ser betydningsforskydningen ud, når beholderen går fra at være brugsobjekt til at være et musealt artefakt? Hvilken værdi kan man tillægge det langsomme (kunst-)håndværk, når vores billedkultur er så domineret af hastighed og reproducerbarhed? 

Hunden har overtaget førstepladsen i den digitale billedkultur. Hvad kan det være et tegn på? Hunden er et skamfuldt dyr, hvis mest bemærkelsesværdige egenskab netop er evnen til at tøjle sine lyster gennem lydighedstræning. Kunne det være, at billedet af hunden, menneskets bedste ven, hjælper os med at anskueliggøre kulturens byrde, den ulidelige kulturtilstand?

Udstillingen består af opskalerede foderskåle i stentøj og en serie strikkede billedtæpper med motiver taget fra internettet. Foderskålene (slow feeders) fremstår som afledt af en slags blodfattig formalistisk modernisme – abstrakte, geometriske relieffer, på alle måder langt fra deres praktiske oprindelse. Billedtæpperne tager imidlertid form af brugsobjekter – striktrøjer – men udgør, i kraft af deres tidskrævende tilblivelsesproces, også en modpol til deres ophav, internettets memekultur, som er baseret på hurtig, billig og uendelig kopierbar produktion og spredning

Sisse Lee er interesseret i, hvordan ting, vores materielle omgivelser, ændrer betydning over tid, og hvad det siger om os. Slow Feeder II tager sit udgangspunkt i fremkomsten af industrielt producerede foderskåle til overivrige kæledyr og selvsamme dyrs fremtrædende rolle i internettets billedstrøm. Såvel de rent formelle som de materialemæssige kvaliteter forstørres og forvanskes på forskellig vis med et mål om at gøre det hverdagslige fremmed og det fremmede velkendt. 

Sisse Lee (f. 1987, Danmark) bor og arbejder i Oslo. Hun fik sin bachelorgrad fra Kunstakademiets Designskole, Bornholm i 2016 og sin mastergrad i Medium- og materialebaseret kunst ved Kunsthøgskolen i Oslo i 2018. Sisse Lee har udstillet i både ind- og udland: Talente2019 i München, Biennalen for Kunsthåndværk og Design og CHART Art Fair i København, COLLECT i London, Kunsthall Grenland i Porsgrunn, Norge, RAM Galleri, Oslo og senest en soloudstilling på Østfold Kunstsenter i Fredrikstad, Norge. 

Hun har modtaget arbejds- og rejselegater fra Statens Kunstfond og blev i 2022 tildelt Norsk Kulturråds treårige arbejdslegat.

Download pressemeddelelse + billeder

INCANTATION
Linda Sormin (CA) og Karen Kitani Harsbo (DK)

29. september - 5. november 2022

Åbningstale ved museumsdirektør og kunsthistoriker Teresa Nielsen, Vejen Kunstmuseum

“Koble, koble, kval fordoble / blusse bål og kedel boble.”

Heksene i Shakespeares Macbeth (dansk oversættelse: Niels Brunse)

Med ler og ild opbygger de to keramikere Karen Kitani Harsbo og Linda Sormin fortællinger i rummet – stykke for stykke, lag for lag – i en udvikling af skulpturelle former og sansninger, som fremmaner og afspejler deres oprindelser, ritualer, personlige myter, spændinger og dunkle sider.

Besværgelse: Recitationen af magiske ord vækker genklang på tværs af tid og kulturer og giver adgang til en verden, der ligger ind imellem det, vi ser og ved. De kan bygge bro til andre magter og energier – kræfter, som fortryller og forvandler den kendte verden.

Ild: Læg dine hænder her, i dette føniksmateriale, som hvæser besværgelser ud gennem flammen. Den guddommelige kraft, som formede de første mennesker i ler, var drevet af nysgerrighed og blæste sit brændende nådesløse åndedræt gennem alle deres kamre. Den gudfrygtige gudløse drage svider den brændte jord, som formes af varmen over tid – (hvor meget mere kan vi tåle)?

Sansning: Vågn side om side i dette århundrede, gå under jorden, krads i støvet efter spor. Ler taler til følesansen, lugtesansen, synet, selv hørelsen, når pottemagere banker på ubrændte flader for at måle tykkelsen. Denne sanselige interaktion – indsamling af viden via kroppen – er kernen i globale keramiske traditioner og rækker ud over krukken til lerskulpturer, video og blandede medier.

Linda Sormin præsenter nye glaserede skulpturer skabt med rytmisk berøring og løse sammenfiltringer af ler samt videoværker, der udfolder fortællinger om slægt og kultur. Sormins værker udspringer af keramiske og digitale fejlskud (inklusive fundne porcelænsskår og fragmenter af samtaler i familien) som abstrakte gengivelser af den fordrevnes erfaring. I videoen Babel (unscripted) smelter Tatlins monument og Babelstårnet sammen, gentænkt og genfortalt som form, der ruller rundt i en bæk.

Karen Kitani Harsbo udstiller sit seneste værk: portrætbuster af to kvinder, der måske er to forskellige personer eller måske er den samme person med forskellige versioner af sig selv indeni. Skulpturerne refererer også til den romerske figur Janus, guden for begyndelser og overgange, som har blikket rettet mod både fortid og fremtid, her manifesteret som keramisk skulptur, et medie, der hviler på en enorm kulturel fortid, fremstillet i nyskabende digitalt 3D-print. Harsbo eksperimenterer med materialets indvirkning på den digitale metode ved at give den samme digitale form forskellige udfald, afhængigt af lerets flow og konsistens, og opnår derved en mangfoldighed af kunstneriske udtryk og stemninger i de enkelte skulpturer.

Linda Sormin udforsker skrøbelighed, omvæltning, migration, overlevelse og tilfældighed gennem skulpturer og stedsresponsive installationer. Hun er født i Bangkok, Thailand, og flyttede som barn til Canada med sin familie. Sormin læste litteratur på Andrews University (bachelor, 1993) og arbejdede med lokal udvikling i Thailand og Laos. Hun har en MFA (master of fine arts) fra New York State College of Ceramics ved Alfred University (2003). Hun bor og arbejder i New York City og er lektor i billedkunst ved NYU. Sormins værker indgår i en række private og offentlige samlinger, blandt andet Smithsonian American Art Museums Renwick Gallery, Gardiner Museum, Everson Museum of Art og CLAY Keramikmuseum Danmark. Hun deltog i European Ceramic Workcentre i 2021, hvor hun skabte nye værker til Ceramics in the Expanded Field: Sculpture, Performance and the Possibilities of Clay på MASS MoCA i North Adams, MA, USA, Expanded Forms på Messums Wiltshire i England samt Incantations på Peach Corner i København.

Karen Kitani Harsbo tog afgang fra Danmarks Designskole i 1987 og underviser på det Kongelige Danske Kunstakademi, hvor hun er lektor i keramik, 3D-print og skulptur. Gennem leret udforsker hun materialekundskabers rejse via overlevering på tværs af tid og kulturer, materialedannelser på jorden og i rummet, digital teknologi og 3D-print samt, som sit seneste fokusområde, sammenvævningen af natur, mennesker og svampe. Hun har afholdt workshops og holdt foredrag på en lang række institutioner og har været involveret i flere kunstneriske forskningsprojekter. Hun har modtaget legater fra Statens Kunstfond, Ellen og Knud Dalhoff Larsens Fond, Anne Marie Telmanyi, født Carl-Nielsens Fond samt Danmarks Nationalbanks Jubilæumsfond af 1968. Harsbos værker indgår i flere private og offentlige samlinger, blandt andet Vejen Kunstmuseum, Designmuseum Danmark og CLAY Keramikmuseum Danmark. En særlig tak i forbindelse med udstillingen til Oskar Koliander.

Download pressemeddelelse + billeder

Nymphs of Vingerling 

Esben Kaldahl (DK)

18. august - 24. september

Åbningtale af Svala Vagnsdatter Andersen, ph.d.

Med udstillingen Nymphs of Vingerling præsenterer Peach Corner en soloudstilling af Esben Kaldahl, et nyt ungt talent, som fascineres af tingenes forførende egenskaber: Hvad er det i en ting, der taler til os? Hvad får os til at træde nærmere, til at ville røre og besidde? Gennem to indbyrdes forbundne værkserier undersøger kunstneren, hvordan vi knytter os til de objekter, vi samler på, og tillægger dem følelsesmæssig og personlig betydning.

Kaldahl omtaler sine skulpturer som nymfer, en reference til mytologiske væsner, der befinder sig i grænselandet mellem krop og natur: Oceaniden er både menneske og flod, Dryaden er både et træ og en krop. Kaldahls nymfer fremstår som lokkende objekter, organiske former i hvidt stentøjsler, som med taktilt glaserede overflader drager beskueren tættere på. De umiddelbart abstrakte former antyder ved nærmere øjesyn elementer af krop: en knæhase, en albue, en delle på maven. Hver nymfeskulptur har sit eget individuelle værknavn, såsom “Tir” eller “Ort” eller “Mal”. Navnene er en slags lydord, en reference til tingens lyd, der måske kan mærkes i skulpturernes åbninger, der kan minde om syngende munde. Lydordet kan ses både som en lyd fra et fremmed dyr, lyden af naturen eller et symbol i et alfabet, en rune, en besværgelse.

Sammen med Nymferne vises en række relikvieskrin, som hver indeholder et fragment af en nymfe. Relikvieværkerne er et studie i magiske objekter, som man kender dem fra religiøse sammenhænge, hvor relikvier kan være et fragment af en hellig figurs legeme, fx en knogle eller en mumificeret legemsdel, eller et objekt, der er tæt knyttet til figuren. I forlængelse af det magiske artefakt hænger en serie af “souvenirs”, der kopierer en del af originalen. Relationen mellem original og kopi er et studie i, hvordan magien fra det oprindelige objekt kan bo selv i en billig nøglering, magnet eller lighter. Til trods for deres åbenlyse værdiløshed som objekter kan de have stor emotionel og personlig betydning.

Kaldahls relikvier suger os til sig med deres sanselige iscenesættelse og tilbyder os drilsk et objekt at tillægge betydning, et skrin, vi kan lægge vores følelser til rette i. 

Esben Schakenda Kaldahl (f. 1992) er uddannet fra Det Kongelige Akademi – Design i København i 2020. Hans praksis beskæftiger sig med menneskets relation til ting og tingenes evne til at formidle historier. I 2021 modtog han boligmagasinernes Design Award som årets kunsthåndværker. I 2021 og 2022 modtog han Statens Kunstfonds arbejdslegat for nye talenter inden for kunsthåndværk og design. Udvalgte udstillinger: Confessions, gruppeudstilling, Alcova, Milano, 2022; Cup, gruppeudstilling, Art Week, København, 2021; Post.Service, gruppeudstilling, Tableau, København, 2021; Ukurant, gruppeudstilling, 3daysofdesign, København, 2020; Automatons, soloudstilling, Tableau, København, 2019; Table Talks, gruppeudstilling, Scloss Pillnitz, Dresden, 2019. 

Download pressemeddelelse + billeder

BY & LAND

Paul Scott (UK), Marianne Nielsen, Inger Heebøll og Ann Linnemann (DK)

2. juni - 9. juli 2022

Udstillingen er kurateret af Ann Linnemann

Naturen er flyttet ind i byen, og byen er flyttet ud på landet. Bæredygtige tanker og handlinger sætter i dag også fokus på bymiljø og grønne områder, fyldt med ukrudt og vilde planter. Kultur og natur smelter harmonisk sammen eller går i krig med hinanden. Vores verden udfordres af global opvarmning og naturkatastrofer, men forsødes også af drømmen om det enkle liv på landet.
På udstillingen sættes disse samtidige kræfter og ideer i sammenhæng med den keramiske tradition for både håndværk og industri i værker, der bevæger sig ud ad poetiske, konceptuelle eller idealistiske veje og stier.

De fire udstillere byder med politiske undertoner på indsigt i det univers, der opstår, når by og land eller kultur og natur mødes. De leder beskueren ind i personlige og kunstneriske fortolkninger af temaet By & Land fra forskellige synsvinkler –direkte og tydeligt modelleret, trykt eller malet på keramiske objekter, i naturalistiske, idealistiske, ironiske eller eftertænksomme udtryk, alt efter temperament og perspektiv. En mangesidig oplevelse med et væld af forskellige visioner, der alle drejer sig om den fantastiske natur og de menneskeskabte påvirkninger, der former vores verden – på godt og ondt.

Lige siden Rosseau og guldaldermalernes smukke landlige eller vilde naturskildringer og den fabelagtige Nature Morte-tradition for naturalistiske stilleben af forrådnede frugtfade og opsatser med flot arrangeret jagtbytte har kunstnere været optagede af at fremstille naturen, livet og døden på aparte og tankevækkende måder. Den æstetiske fortælling går hånd i hånd med det uhyggelige og foruroligende, der sommetider kan glemmes i begejstringen for de skønne værker.

Britiske Paul Scotts landskabsværker fortsætter en ny tråd i hans kunstneriske virke: Cumbrian Blue(s), med kombinerede penselmalede og trykte motiver. Værket Dansk Landskab, Stigsnæs er silketryk på antikt fad. Marianne Nielsen har arbejdet med enkle bladmotiver, som med simple greb trækkes ind i et kulturelt udtryk. Bladet vedbliver at være blad, men bliver også til noget nyt. Det interessante er kontrasten mellem det kunstige og det naturlige. Inger Heebølls værkserie Nye habitater er tableauer i dansk lertøj skabt ud fra iagttagelser og forestillinger om, hvad menneskets ageren betyder for vores omgivelser. Hvad sker der, når land og by mødes, når mennesket fortsat rykker ind på naturen, og naturen skal finde rum på menneskets præmisser? Ann Linnemann viser fortællinger om forestillingen om at bo på landet, at være to steder på en gang, at flytte mellem by og land. Fra den glasurmalede krukke København til fundne objekter fra et gammelt fiskerhus på landet.

Paul Scott, UK (f. 1953) tog en ph.d. fra Manchester Institute for Research and Innovation in Art and Design, Manchester Metropolitan University, i 2010. S. Martin’s College, Lancaster, B. Ed. (2.1.Hons) Art and Design 1976-77 og Certificate of Education 1972-75. Paul Scotts værker findes i offentlige samlinger over hele verden, bl.a. Nasjonalmuseet i Oslo, V&A i London, National Museums i Liverpool samt Smithsonian Institute og Brooklyn Art Museum i USA. Har udført store værker i Hanoi, Vietnam og Guldagergaard skulpturpark i Skælskør. Professor i keramik ved Kunsthøgskolen i Oslo (KHiO) 2011-18. Scotts aktuelle forskningsprojekt New American Scenery er muliggjort af Alturas Foundation kunstnerpris, Ferrin Contemporary og finansiering fra Arts Council England. Gennem de sidste 22 år har Scott udstillet og været en tilbagevendende gæst i Danmark. www.cumbrianblues.com

Inger Heebøll (f. 1969) tog afgang fra Danmarks Designskole, linjen for glas og keramik, i 1998. Udvalgte udstillinger: Atrium. Den levende krukke, CLAY Keramikmuseum Danmark, 2018; Biennalen for Kunsthåndværk og Design, Carlsbergbyen, 2015; Biennalen for Kunsthåndværk og Design, 2013, Rundetårn, København. Kunsthåndværkerprisen, bronzemedalje. Statens Kunstfond arbejdslegat 2015 og projektstøtte 2018. Nomineret til Biennaleprisen, 2013. http://dkod.dk/medlem/?medlem=45

Marianne Nielsen (f. 1971) tog afgang fra Designskolen Kolding, Linjen for Keramik og Glas, i 1999. Udvalgte udstillinger: Ceramic Momentum – Staging the Object, Natur. Spor & Spejlinger, Store formater – kloge hænder  CLAY Keramikmuseum Danmark; Bend, Bubble and Shine, Hostler Burrows Gallery, New York og Los Angeles; Blomster Vaser, solo, Ann Linnemann Galleri, København; Biennalen for Kunsthåndværk & Design 2017. Har modtaget flere legater fra Statens Kunstfond, Annie og Otto Johs. Detlefs Keramikpris, Danmarks Nationalbanks Jubilæumsfond af 1968 og Ole Haslunds Kunstnerlegat. www.mariannenielsen.com

Ann Linnemann (f. 1957) tog afgang fra Skolen for Brugskunst, København, i 1989. Udlært pottemager, H. A. Kähler 1979-83. Research scholar, Arizona State University, USA, 1993-94. Medstifter af Peach Corner 2021. Ejer/kurator af Ann Linnemann Galleri 2008-21. Eget værksted i Danmark siden 1996. Repræsenteret i flere internationale udstillinger og offentlige samlinger. Har modtaget adskillige legater fra Statens Kunstfond samt OJD-motivationspris, Danmarks Nationalbanks Jubilæumsfond af 1968, Ole Haslunds Kunstnerlegat, Helpmann Academy Award (AU), Banff Arts Centre Residency Award (CA) m.fl. www.annlinnemann.blogspot.com

Download pressemeddelelse + billeder

FICTIONS

Carlo Lorenzetti (USA/NL) og Carl Emil Jacobsen (DK)

21. april - 28. maj 2022

Igennem skulpturens historie repræsenteres den bevægelige krop som levende kød, mimet og fastfrosset i hårde materialer. Designeren, derimod, arbejder med alt det, der skal bruges af kroppen: gribes i, løftes, siddes på, putte sig i ... I udstillingen Fictions sammenstilles objekter af Carl Emil Jacobsen og Carlo Lorenzetti, som på hver sin måde befinder sig i feltet mellem kunst og design. Ved første øjekast virker objekterne velkendte som ”ting”, vi måske genkender fra vores hjemlige og intime omgivelser. Men værkerne er tvetydige og uventede. Kroppens funktioner og bevægelser fornemmes som en mulighed.  Grænsen mellem den agerende krop og den viljeløse ting udviskes, og et blødt og organisk formsprog frembringer en følelse af bevægelse i de ellers livløse genstande

Carlo Lorenzetti arbejder med brugsting i keramik, men brugsting, hvis funktion ikke umiddelbart er til at gennemskue. Lorenzetti indleder sin proces ved at stille simple spørgsmål til hverdagens brugsfunktioner. Men svarene transformeres overraskende til nærmest væsensagtige møbler, der ganske vist legemliggør en række praktiske behov og dagligdags ritualer, men også ekspanderer til selvstændige objekter, der ser tilbage på os. 

Carl Emil Jacobsens skulpturer eksisterer umiddelbart på deres egne præmisser som rå enkle former, der fremstår helt abstrakte som studier i materiale, form og farve. Men ser man nærmere efter, åbner værkerne sig også som ”ting”. Der antydes elementer, vi genkender med kroppen som en opfordring til at interagere: gribe, løfte, fylde eller tømme … hvilket bringer os tilbage til den fælles sammenhæng.

Carl Emil Jacobsen (f. 1987 i Danmark) bor og arbejder i Århus. Han er uddannet fra Kolding Designskole i 2012. Jacobsens værker er repræsenteret hos blandt andre Statens Kunstfond, Designmuseum Danmark og noma, København. I 2020 modtog Jacobsen et legat under Statens Kunstfonds udviklingsprogram ”Den unge kunstneriske elite”. Udvalgte udstillinger: Comb a Hairy Doughnut Flat, soloudstilling, Overgaden, København, 2021;  A New Realism, gruppeudstilling, Friedman Benda, New York, USA, 2020; Crafted Matter, Cheongju International Craft Biennale, Sydkorea, 2019; Weathered, soloudstilling, Mark Kenly Domino Tan Showroom, København, 2018;  Don’t Know What Shape I’m In, soloudstilling, Patrick Parrish Gallery, New York, USA, 2018;  Terrain, soloudstilling, Galerie Maria Wettergren, Paris, Frankrig, 2017.

Carlo Lorenzetti (f. 1990 i USA) bor og arbejder i Holland. Han er uddannet fra University of Michigan i 2012 og Design Academy Eindhoven i 2015. Udvalgte udstillinger: Dutch Invertuals,  The Circle, Museum für Angewandte Kunst (Kunstindustrimuseet; MAKK), Köln, Tyskland, 2022;  FAR, Alcova, Nilufar Gallery, Milano, Italien, 2021; Officine Saffi Award 4, Milano, Italien,  2021;  Lille e3000 Colors, Lille, Frankrig, 2021;  La Manufacture: A Labour of Love, Lidewij Edelkoort & Philip Fimmano, Lille, Frankrig, 2020; Kleureyck, Design Museum Gent, Belgien, 2020; Everyday Gallery Opening, Antwerpen, Belgien, 2019; The Secret Life of Materials, Pennings Foundation, Eindhoven, Holland, 2018; Dutch Invertuals Harvest, London Design Festival, UK, 2017; Wild Things, kurateret af Lidewij Edelkoort og Philip Fimmano, Belgien, 2016.

Download pressemeddelelse +  billeder

STEGREIF

Johannes Nagel (DE) og Carl Richard Söderström (SE)

3. marts - 9. april 2022

Det tyske sproglige begreb Stegreif, som er titlen på denne udstilling, beskriver øjeblikkets handling eller beslutning. Helt bogstaveligt betyder det ”uden at stå af hesten”, dvs. på stående fod, og kan dermed ses som en passende metafor for den situation i den kunstneriske arbejdsproces, hvor der improviseres og handles uafhængigt af på forhånd lagte planer. 

Indholdet i Johannes Nagels arbejde handler specifikt om det improviserede og foreløbige. Objekterne er færdiggjorte, i den forstand at porcelænet er glaseret og brændt. De fleste værker er krukker på en eller anden måde. Men hvad er de også? Et forsøg på at skabe forvirring i de associationer, som teknik og materiale afstedkommer. Sommetider ser vi konstruktiv opbygning, til andre tider en villet destruktion. Ofte er der tale om vaser, men resultatet kan også være et helt fremmedartet objekt.

Ved brug af teknikker såsom at grave hulninger i støbesand for at skabe negative formfigurer beregnet til støbning i porcelæn fremstår hans arbejder stærkt i deres direkte og manuelle udførelse med et mærkbart nærvær af den søgende proces. Samlinger og sprækker, farveklatter og den ufærdige bemaling giver et præg af noget midlertidigt, idet de peger væk fra det færdige objekt og tilbage mod processen. Nagel er ikke ude efter en perfektionering af det endelige udtryk, men ønsker at formulere en forestilling om selve udviklingen af tingene.

Carl Richard Söderströms arbejder tager udgangspunkt i strukturer og dele af natur. En natur, som udsat for menneskelig påvirkning senere prøver at genfinde en oprindelig form uden nogen anden ambition end at tilpasse sig og leve videre, befriet for æstetiske og på anden vis værdsatte positioneringer. Han bevæger sig mellem et helt abstrakt og et mere figurpræget formsprog, altid med lag på lag af former og strukturer.

Carl Richard Söderström betegner sit valg af keramikken som kunstnerisk medie som beroende i nogen grad på tilfældigheder. I en søgen efter at udtrykke sig frit forekom den keramiske praksis ham at være den mindst tyngede af forbilleder og forventninger. Hans hele praksis hviler netop på at forholde sig frit til sit eget værk, baseret i en intuitiv skabelsesproces, der rækker ud over rationelle systemer og teoretiske modeller. Processen styrer udtrykket, idet en række tilfældigheder udfordrer det sikre og velkendte og derigennem skubber hans kunstneriske udvikling videre. 

Begge kunstnere har en lang række udstillinger bag sig i deres hjemlande og internationalt. Denne udstilling er deres første visning i Danmark.

Johannes Nagels værker er repræsenteret i mange offentlige samlinger, bl.a. på Victoria and Albert Museum i London, Museum Grassi i Leipzig og Keramiekmuseum Princessehof i Leeuwarden, Holland.

Carl Richard Söderströms arbejder er indkøbt af bl.a. Sveriges Kunstråd, Musée National de Céramique de Sèvres i Paris og Röhsska museet i Göteborg.

Download pressemeddelelse + billeder

Alting Flyder

Bente Skjøttgaard & Anne Damgaard 

21. Januar - 26. Februar 2022

Udstillingen Alting Flyder (Heraklit 540-480 f. Kr.) rummer en sanselig og dramatisk totaloplevelse af lys, lyd, hængende gevandter og svajende former. 

Keramiker Bente Skjøttgaards og beklædningsdesigner Anne Damgaards karaktermæssigt meget forskellige værker vises i et tæt samspil bundet sammen af et fælles undervandstema, som folder sig ud i flydende former og farver. Bente Skjøttgaards store keramiske naturabstraktioner har referencer til gopler og andre marine arter fanget i glidende bevægelse, mens Anne Damgaards skulpturelle tekstilkonstruktioner inkluderer transparente materialer og tang samt eksperimenter med fotografiske skyggebilleder, som danner en flimrende fornemmelse af lys under vand.

De to kunstneres samarbejde er opstået ud fra en fælles kunstnerisk tilgang: en eksperimenterende lethed. Begge arbejder med klare formelle modsætningsforhold som tyngde og lethed, stram struktur over for det opløste og diffuse. Men de udfordrer også på hver sin måde forholdet mellem spontanitet og kontrol og giver plads til, at tilfældet involveres som en væsentlig faktor. Anne Damgaard tager udgangspunkt i geometriske grundformer, der skæres ud i florlette tekstiler, som herefter draperes og falder i bevægelige linjespil, mens Bente Skjøttgaard slipper lidt af kontrollen under brændingen til de høje temperaturer og lader tyngdekraften og glasurernes flydeevne indgå som medspillere.

Lyd: Søren Buhl Lassen 

Udstillingen er støttet af Statens Kunstfond, Danmarks Nationalbanks Jubilæumsfond og Statens Værksteder for Kunst.

Om kunstnerne:

Beklædningsdesigner Anne Damgaard skaber tekstile konstruktioner og unikke kjoler, løsrevet fra tid og sted, mode og praktisk anvendelse. I tyl, gaze og sære farvespil svæver de over vandene i deres eget eventyrlige univers. 

Anne Damgaard (f. 1968) er uddannet fra Det Kongelige Akademi, 1992-97. Udvalgte udstillinger: All Solid Melts into Air, duo med Bente Skjøttgaard, Kunstpakhuset, Ikast, 2020; Structured, gruppeudstilling, Site131, Dallas, TX, 2019; Revner og Sprækker, trio, Gammelgaard, Herlev, 2018; Biennalen for Kunsthåndværk & Design, Koldinghus, 2021; Rokoko-Mania, Designmuseum Danmark, 2012; BLACK ANGELS 13 –7, soloudstilling, Øksnehallen, København. Priser og legater: præmiering fra Statens Kunstfond af soloudstillingerne Constructions With Circles Spirals Light, 2010 og A.D.1997-04, 2004; Nordic Award in Textiles, 2008; Inga og Ejvind Kold Christensens Hæderslegat 2007; Statens Kunstfonds treårige arbejdslegat 2007-09. Repræsenteret: Designmuseum Danmark, København; Röhsska Museum, Göteborg; Textilmuseet, Borås; Abecita Konstmuseum, Borås; 100W Corsicana, TX.

Keramiker Bente Skjøttgaard udfordrer lerets tyngde til at skabe organiske formationer og strukturer i en stræben efter det vægtløse. Hun balancerer på grænsen for det mulige, og undersøgelserne udvikler sig til store amorfe naturabstraktioner med masser af glasur. 

Bente Skjøttgaard (f. 1961) er uddannet fra Kolding Designskole 1982-86. Udvalgte udstillinger: Tableaux, Galerie Maria Lund, Paris, 2021; Bend Bubble and Shine, Copenhagen Ceramics at Hostler & Burrows, New York, NY og Los Angeles, CA,, 2021; All Solid Melts into Air, Anne Damgaard og Bente Skjøttgaard, Kunstpakhuset, Ikast, 2020; Glowing in the Dark, Jason Jacques Gallery, New York, NY, 2020. Repræsenteret:  Musée des Arts Décoratifs, Paris; V&A, London; Musée National de Céramique de Sèvres, Frankrig; Designmuseum Danmark, København. Priser og legater: Inga og Ejvind Kold Christensens pris, Nationalbankens påskønnelseslegat, Statens Kunstfond treårige arbejdslegat 2001-03, Annie & Otto Johs. Detlefs’ Keramikpris, Ole Haslunds Kunstnerfond. Stiftende medlem af de kunstnerdrevne udstillingssteder Copenhagen Ceramics og Peach Corner.

Download pressemeddelelse + billeder